「入門さえできない人のための作曲講座 教養編 其の3」を投稿しました

　「入門さえできない人のための作曲講座 教養編 其の3」が完成したので、ニコニコ動画に投稿しました。

http://www.nicovideo.jp/watch/sm26379633

　なお、本編の後編は製作中です。

「Forgerの備忘録」 第６回 「構造」と「構成」－メタ楽曲分析の意義

　Forgerです。前回、「小論文と歌謡曲がほぼ同じ構造をしている」ことを論じた訳ですが、今回は「楽曲の構造を分析する意義」についてお話します。

結論から言うと、楽曲を効果的に聞かせるためには「構成」を考える必要があり、その前提として「構造」を分析する必要があるからです。

例えば、前回お話しした「５パラグラフ・エッセイ」では、

１　序論：テーマの設定
２　本論１：テーマに対する論点と自分の意見の根拠１の提示
３　本論２：テーマに対する論点と自分の意見の根拠２の提示
４　本論３：テーマに対する論点と自分の意見の根拠３の提示
５　結論：全体のまとめと、テーマに対する自分の結論の提示

という「構成」になっています。

　言い換えるなら、

「問い」→「論点と根拠」→「結論」

という非常に論理的で明快な構成になっています。

　これに対し、歌謡曲もこれほど明確ではないですが、

１　前奏：曲全体を予感させる部分
２　Aメロディー：曲は序盤。歌詞は舞台設定を提示。
３　Bメロディー：曲はサビへつなげる部分。歌詞はサビのメッセージの理由となる心情を提示。
４　サビ：曲は一番盛り上がり、歌詞は最も伝えたいメッセージを提示
５　後奏：曲全体のまとめ。

というような「構成」が存在します。

　つまり、歌謡曲の「歌詞」には、

　Aメロディー　　　　Bメロディー　　　　　サビ
「舞台設定」　　→　「心情の理由」　　→　「伝えたいメッセージ」

という「構成」があり、楽曲もそれに対応したものにする必要があります。

　さらに、サビを効果的にするためには、前奏にサビの一部を持って来たり、後奏でサビをリフレインしたり、対比させるようにAメロディーは敢てゆっくりと始めたり、等の様々な技法を使う必要があります。

　そして、それらの技法を選択する前提として、歌謡曲全体の「構成」を考える必要があり、そのためには既存の歌謡曲に存在するAメロディー、Bメロディー、サビ等の「構造」をきちんと「分析」し、それらについて学習しなくてはならない訳です。

「蟹缶の弱音ハクなボヤ記」 五言目：ニコニコ超会議2015に行ってきました

さる4月25日26日に幕張メッセで開催されたニコニコ超会議2015に行ってきました。
会場で感じたことを「音」をテーマに書きたいと思います。

●「音」は皮膚で聞くもの
　会場には大小様々なスピーカーが設置され、それを使う出展者や出演者がいます。
万単位の来場者が館内を巡り、時に歓声を上げる。
幕張メッセの館内にパンパンに音が詰め込まれ、木霊していました。
音が岩のようになって自分にぶつかってきたり、流星のように飛んで行ったり、
歓声が上がるたびに膨らんではしぼんでいくが見えたり。
もちろん、そんなモノが視認できるわけはなく、皮膚感覚がそう捉えるのです。
会場で聞こえるのは、音声ではなく、場の空気感そのものであったように思います。
これは、ネットを通じてではわからない、現場にいるからこそ感じられる感覚でしょう。

●「位置」は視覚情報ではなく、聴覚情報の方が重要なのか？
　今回の超会議では次世代ヘッドマウントディスプレイ「Oculus Rift」を使った展示が随分と増えました。
その中で、ロート製薬が目薬「デジアイ」のプロモーションとして初音ミク VR Special LIVEを出展。
10人を一組として、Oculus Riftと立体音響対応のヘッドホンを装着し、ミクさんのVRライブを行いました。
頭を動かして視点の位置を変えると音声の聞こえる位置も動きに追従します。
音声の位置が変わることでミクさんの位置が特定され存在感がぐっと上がることが分かりました。
以前、ボーカロイドオペラ「The End」を観に行った時は10.1チャンネルという音響環境での上演で、会場が暗闇で周囲が見えなくても音を聞くだけで「何かがそこにいる」という位置情報を認識できました。
　つまり、人は位置情報を視覚だけではなく聴覚をより強く頼りに特定しているということです。
では、先天的に聴覚障害を持つ人はどのように位置情報を得るのでしょう？
ひょっとして、方向音痴の人はそうでない人よりも聴覚の能力が劣っている可能性もあるのか？
あと、分身の術ってのは実は視覚ではなく、聴覚のトリックだったりする？

なんてことを取り留めもなく思った2日間でした。

「koryuの補足メモ帳」 第三回 ようやく音楽ネタの話

「PBMの会」音楽技術担当のkouryuです。今回は当初の予定に戻って音楽ネタの話をお送りします。

　PBMの会では作曲入門の動画を製作していますが、曲作りを学ぶ方法論は一つだけではないわけで、ちょっと違った方向からの曲作りへのアプローチについて紹介します。

［マンガに学ぶクラシック作曲入門（？）］

●クラシックの勧め

　クラシック音楽というと、固いイメージを感じる人が多いと思います。つい正装して演奏会に行かなければならないような。クラシックというのは「古典」や「格式」を意味する言葉なのである意味それも当然なのですが、でも初心者が作曲を始めようという場合は、一度はクラシックに目を向けてみることをお勧めします。

　なぜか？　というと理由は簡単で、

「教育用の教材が一番整っているから」

これに尽きます。

　ある文化ジャンルが世間に広まるには天才の存在が不可欠という説がありますが、クラシックというか西洋音楽の基礎は１７００年代前半にバッハという天才が確立し、さらにそれに続く形で１７００年代後半にモーツァルト、ベートーベンその他の怪物どもを大量に輩出したことで市民レベルにまで広がりを見せました。創生期に手塚治虫という正真正銘のバケモノが存在した日本のマンガが、さらに藤子不二雄や横山光輝やその他多数の「独力で一つのジャンルを切り開ける」面々の手によって世界でも稀な発達（※）を遂げて、その余波でアニメまで流行らせたのと同じ現象が起きたと思えばいいでしょう。

　そして、市民レベルにまで広まった文化が衰退せずに続く条件はただ一つ。

「高レベルの新作を生み出せる秀才を補充するために、大量の新規参入者を確保する」

　要するに、間口が広いことなのですね。マンガの場合はとにかく周囲に見本が山ほどあることに加えて教本も講座も専門学校まで存在し、さらに発表の場としての同人市場も広く商業の門戸も常に開いているという形でそれを保証しています。

　ではクラシックはどうかというと……世紀単位で続いた成果として、本当の入門者用の曲から「そこそこ難しい曲」まで、幅広く練習曲が揃っています（つまり音楽教室に通わないでも独学で何とかできる可能性があります）。そして易しく弾きやすい曲というのは、構造が簡単で仕組みを理解しやすい曲でもあるのです。

※：ちなみに現在でも世界の大半は「マンガは子供の読み物。大人が見るもんじゃない」です。日本は天才が居たが故の異端進化

●練習曲の勧め

　回りくどい説明になりましたが、そんなわけで易しく簡単な曲が揃ったクラシックの初歩の練習曲集は、作曲初心者の方にとっての「第一目標」の宝庫になります。試しに８～１６小節ぐらいの曲を幾つかＤＴＭソフトに打ち込んで聞いてみて、「このぐらいの曲が作れればいいんだな」と思えたらそれが第一歩だと思って下さい。

　と、このように説明すると、「俺が作りたい曲はこんな初歩の代物じゃねえ！　もっとちゃんとしたものをやろせろ！」的なことを叫ぶ人がいるのですが、それは実は「俺は絵が描けねえけど××みたいなマンガを描きたいんだ！　描き方を教えろ！」と言うのと同レベルの主張だったりします。そう、作りたい作品（曲）の漠然としたイメージがあっても、それを具体化する方法論を持たないのが初心者です。とにかく何か一つ曲作りの方法論を模倣し理解し身につければ、その視点から高度な曲が「何をやっているのか」を理解できるようになり、さらにどの部分をどうパクれば自分の曲に応用できるかが見えてきます。しかし基礎がなければ……そう、人体のデッサンができない人には、マンガの登場人物を動かすどころかまともに模倣することすらできません。ジャンルを問わず、既存の技術を盗みとるためには最低限の基礎能力と知識が必須なのです。

　というわけで。

「第一歩目は必ず地道に」（注：才能の無い人限定）

　まずは練習曲から始めましょう。

●具体的には？

　具体的な対象ですが、ピアノだと「バイエル」という初心者用の王道の教本があるので、奇をてらわずにこれを見るのがお勧めです。インターネットで検索しても何曲かの楽譜がひっかかりますが、楽譜の出版業界はコピーが出回るせいで常に不況に喘いでいます。できれば業界へのお布施のつもりで、一冊ぐらいはきちんと購入してあげることをお勧めします。

　曲ではなくあくまでも「歌」に拘りたい人には、PBMの会は童謡の利用を推奨しています。小学校の教科書を引っ張り出すか、唱歌集を入手しましょう。童謡というと馬鹿にする人もいますが、例えば『赤とんぼ』の「夕焼け『小焼けの』」の部分のように、単純かつ綺麗で参考になるフレーズは注意してみれば山ほどあります。『通りゃんせ』を聞いて何か嫌な予感に襲われた人は多いでしょう。その気になれば高度な曲を簡単に作れる一流の作曲家たちが「音楽未学習の子供でも歌えて、しかも耳に残るフレーズを」という超難題に挑んだ結果なので、むしろ表面的な技巧に凝っただけのそこらの歌謡曲よりも遙かに本質的なノウハウが詰まっています。「ここがいい」と思った部分があれば、そこが「どんな音符がどうつながっているか（どう変化しているか）」を具体的に確認して自分で再現し、例えば別の歌詞を付けてみたりちょっとリズムを変えてみたりして、「自分のフレーズ」に作り替えましょう。それが山ほどたまってくれば、その組み合わせで曲が作れるようになる……かもしれません。

　頑張って下さい。

「蟹缶の弱音ハクなボヤ記」 四言目：私にとって、最も理想的と考えるボカロ曲発表の場

去る2月21日～22日にかけて行われた第1回世界ボーカロイド大会「VOCACON2015」に参加してきました。

その様子は下記のサイトの記事を読んでもらえればわかると思うので割愛します。

・togetter（第01回世界ボーカロイド大会 VOCACON2015 企画・公演資料、動画まとめ）

　http://togetter.com/li/787534

・ねとらぼ（バーチャルアイドルとの温泉旅行に人だかり　第01回世界ボーカロイド大会に行ってきました）

　http://nlab.itmedia.co.jp/nl/articles/1502/24/news134.html

・週アスPLUS（初音ミクが花柳流の日本舞踊を華麗に舞った！「第01回世界ボーカロイド大会」）

　http://weekly.ascii.jp/elem/000/000/309/309308/

私の感想としては、とても楽しい時間を過ごせました。

トークセッションや深夜の座談会での議論を通じてボカロと音楽の可能性みたいなものを感じることができました。

次回開催時にはもっと参加者同士の交流を促進する仕掛けがあるともっと楽しいものになると思いました。

あと、参加者のおっさん率が高かった（笑）。

さて、本題。

今回のボカコンに参加して１つ見えてきたのが、私が理想とするボカロ曲発表の場の在り方です。

それは、下手な曲と上手な曲が同時に存在し視聴できる場。

曲の上手い下手で肯定・否定されるのではなく、どちらも同価値で存在し、視聴者が「上手」の発見、「下手」の発見ができる場です。

初音ミク黎明期のボカロ界隈はニコ動のカテゴリランキングの中で「ズコー」というコメントが流れる曲と「神曲」と称えられる曲が混在していました。

私はその曲の中で流れるコメントを見て「この曲はミックスに問題があるんだ」とか「これは他と比べ手がここが違うのか」とか何がダメで何が良いのかを勉強することができました。

今のボカロ曲界隈に必要なのはこんな環境ではないかと考えるのです。

具体的な実現方法の案としては、作曲技術の勉強を目的としたコンテストの開催かなと考えています。

商業レベルで活躍しているボカロPさん達の場をF1レースと例えるならば、地方のカートの草レースでしょうか。

何の権威も賞金も無いけど、未来のF1レーサーもアマチュアレーサーも混在している、まだ何者でもない、でも、何者かになるかもしれない人達の集まる場。未来の始まりの場。

そんな場が私の理想のボカロ曲発表の場なのだろうと考え至りました。

なので、私はその草レース場のオーナーになることが当面の目標になるのかな。

「入門さえできない人のための作曲講座 教養編 其の2」を投稿しました

　「入門さえできない人のための作曲講座 教養編 其の2」が完成したので、ニコニコ動画に投稿しました。

http://www.nicovideo.jp/watch/sm25751459

　なお、本編の後編は製作中です。

「Forgerの備忘録」 第５回 小論文と歌謡曲－構造分析によるメタ楽曲分析

　Forgerです。今回は、小論文と歌謡曲の比較を通して、音楽理論とは違った視点から音楽の構造についてお話しします。

　結論から言うと、「５パラグラフ・エッセイ」という形式で書かれる小論文と一般的な歌謡曲の構造はほぼ同じということになります。

　では、具体的に両者を比較してみましょう。

　まず、１番小さい構成単位の比較からです。小論文の最小構成単位は「音素」です。日本語だと、五十音で表される「み」とか「か」とか「ん」とかのことです。歌謡曲の最小構成単位は「音」です。所謂、「ド」とか「レ」とか「ミ」とかのことです。

　次に、２番目の構成単位です。小論文の２番目の構成単位は「単語」です。「みかん」とか「りんご」とか、「音素」を複数組み合わせて構成されています。歌謡曲の２番目の構成単位は「動機」（モチーフ）です。「音」を組み合わせて構成されていて、普通は「２小節の長さ」です。例えば、「かえるの合唱」は「ドレミファミレド―」と「ドー、ドー、ドー、ドー」という２つの「動機」とその変形だけで構成されています。

　そして、３番目の構成単位です。小論文の３番目の構成単位は「文」です。「私はみかんを食べた」とか「彼はりんごを持っている」とか、「単語」を複数組み合わせて構成されています。歌謡曲の３番目の構成単位は「フレーズ」です。「動機」を組み合わせて構成されていて、普通は「４小節以上の長さ」です。

　さらに、４番目の構成単位です。小論文の４番目の構成単位は「パラグラフ」です。この記事だと一行を空けて一まとまりになっているのが「１パラフラフ」で、「文」を複数組み合わせて構成されています。歌謡曲の４番目の構成単位は「メロディー」です。「フレーズ」を組み合わせて構成されていて、普通は「8小節以上の長さ」です。

　最後に、５番目の構成単位です。５パラグラフ・エッセイの形式で書かれた小論文は、序論が１パラグラフ、本論が３パラフラフ、結論が１パラフラフという構成になっています。一般的な歌謡曲は、前奏、Aメロディー、Bメロディー、サビ、後奏という構成になっています。

　以上をまとめると、

「音素」／「音」

「単語」／「動機」

「文」　／「フレーズ」

「パラグラフ」／「メロディー」

と言う風に構成単位が下から上へ階層化されています。

　そして、小論文も歌謡曲も５つの最大構成単位（「パラフラフ」／「メロディー」）を組み合わせて作られているという共通の構造を持っていると分析できます。

　実は、このあたりの構造分析は、音楽理論では「楽曲分析」や「楽式論」というれっきとした一分野があり、細かい話をすると限がないのですが、大まかなイメージを掴んでもらうために、正確さは無視してかなりざっくりと説明しました。

　もし、こういった構造分析に興味のある方は、「楽曲分析」や「楽式論」などについて、インターネットで検索したり、解説書を読んでみたりしてみたら良いでしょう。

　なお、簡単な童謡を対象に、ごく初歩的な「楽曲分析」や、それを基に「作曲練習」をすることについて、本編とは別に「研究編」として発表する予定ですので、気長にお待ちいただけると幸いです。